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奏鸣曲形式 编辑

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奏鸣曲形式

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奏鸣曲形式,是一种音乐结构,由三个主要部分组成:展览、发展和概括。自18世纪中叶以来,它已被广泛使用。

尽管通常在多运动零件的xxx次运动中使用它,但有时也会在后续运动中使用它,尤其是最终运动。音乐理论中奏鸣曲形式的教学基于一个标准定义和一系列有关该形式的持久性和多样性的根本原因的假设,这种定义出现在19世纪第二个季度。几乎没有分歧,即在xxx程度上,表格由三个主要部分组成:论述、发展和概述。但是,在这种一般结构下,奏鸣曲形式很难确定为单个模型。

标准定义着重于色调主题的主题和谐调的组织,这些主题在博览会上提出,在发展中进行阐述和对比,然后在概述中谐调和主题化地解决。另外,标准定义认识到可能存在引言和尾声。每个部分通常通过其形式实现其功能的特定方式进一步划分或表征。

成立后,奏鸣曲形式成为xxx乐章“ 奏鸣曲 ”以及其他古典音乐长篇作品中最常见的形式,包括交响曲、协奏曲、弦乐四重奏等。因此,关于在各个时代之内和不同时代之间奏鸣曲形式的统一与区别的实践,存在着大量的理论。即使不遵守奏鸣曲形式的标准描述的作品也经常会出现类似的结构,或者可以作为奏鸣曲形式的标准描述的细化或扩展加以分析。

定义“奏鸣曲形式”

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根据格罗夫音乐和音乐家字典,奏鸣曲形式是“从古典时期到20世纪最重要的音乐形式或形式类型原则”。作为正式模型,通常最好是此时期的多乐章作品的xxx乐章,无论是管弦乐队还是室内乐,因此经常被称为“xxx乐章”或“奏鸣曲”。快板形式”。然而,作为格罗夫之后的查尔斯·罗森,所谓的“原则”塑造了一大块-a典型的做法器乐音乐,它可以被看作是活跃在一个更大的各种管件和流派,从小步舞到协奏曲到奏鸣曲回旋曲。它还带有表达和风格上的含义:唐纳德·托维(Donald Tovey)和他那个时代的其他理论家所用的“奏鸣曲风格” 具有戏剧性,动态性和对主题和表达的“心理学”方法。

尽管意大利语中的奏鸣曲一词通常是指奏鸣曲形式的乐曲,但将两者分开很重要。作为单动乐器音乐的标题-suonare的过去分词,是“声音”,与cantata相反,canonare的过去分词,是“唱歌”,“ sonata”包括巴洛克风格和并非“奏鸣曲形式”的18世纪中叶。相反,在18世纪后期或“古典”时期,标题“奏鸣曲”通常用于由三个或四个机芯组成的作品。但是,这种多动作顺序不是奏鸣曲形式的意思

奏鸣曲形式

在音乐元素方面,奏鸣曲形式的定义不可靠地位于两个历史时代之间。尽管18世纪末期在形式上取得了最杰出的成就,但最重要的是约瑟夫·海顿(Joseph Haydn)和沃尔夫冈·阿玛迪斯·莫扎特(Wolfgang Amadeus Mozart),但当时的作曲理论并未使用“奏鸣曲形式”一词。理论家海因里希·克里斯托夫·科赫(Heinrich Christoph Koch)于1793年给出了关于奏鸣曲形式的机芯的最广泛的当代描述:像早期的德国理论家一样,他与我们今天习惯的许多形式的描述不同,他将其定义为运动的调制计划和主要节奏的术语不用多说主题的处理。这样看来,奏鸣曲形式最接近于二进制形式,它可能是从中发展出来的。

当前经常教授的形式模型趋于在主题上有所区别。它最初是由颁布安东·雷哈在TRAITE德高级组成音乐剧于1826年,由阿道夫·伯恩哈德·马克思在模具莱雷·冯·德musikalischen Komposition于1845年,并通过卡尔·车尔尼在1848年马克思可能是术语“奏鸣曲式”的鼻祖。这个模型是从研究和批评衍生贝多芬的钢琴奏鸣曲。

定义为正式模型

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奏鸣曲-乐章运动分为多个部分。音乐辩论中的每个部分都发挥了特定的作用。

  • 它可能从介绍开始,通常比主要动作要慢。从结构上讲,引言是主要音乐论证之前的乐观。也就是说,是一个无用的。这意味着要采取措施。
  • xxx个必需部分是博览会。博览会展示了该机芯的主要主题材料:一个或两个主题或主题组,通常以对比的风格和相对的键,通过可调节的 过渡连接在一起。博览会通常最后提出了闭幕主题,一个交错带小尾寒羊,或两者兼而有之。
  • 博览会之后的 发展是探索主题材料的谐调和纹理可能性。
  • 然后,开发将重新转换为概要,在该概要中,主题材料返回到音调键中,并且为了使概要再现完成音乐论点,通过播放全部“解决”了在音调键中未说明的材料。或部分在补品中。
  • 运动可能以结尾结尾的结尾结尾的结尾结尾。

“奏鸣曲形式”一词是有争议的,几乎从一开始就被学者和作曲家称为误导。它的创建者暗示,古典和浪漫作曲家渴望或应该追求一个固定的模板。但是,奏鸣曲形式目前被视为音乐分析的模型,而不是作曲练习的模型。尽管可以将本页上的描述视为对许多xxx动作结构的充分分析,但还是有足够的变化使诸如Charles Rosen之类的理论家认为它们可以保证“奏鸣曲形式”的复数形式。

这些变体包括但不限于:

  • 一个单主题的展览,其中相同的材料以不同的键表示,这是海顿经常使用的;
  • 舒伯特(例如弦乐五重奏,D. 956)和布鲁克纳的 第4号交响曲使用的与其他两个不同的琴键中的“第三主题组” ;
  • xxx个主题是用“错误的”键概括的,通常是次要的,例如莫扎特的C.K. 545钢琴奏鸣曲第16号和舒伯特的第5号交响曲。
  • 第二个主题组用补音之外的其他音调概括了这一点,就像理查·施特劳斯的《第二交响曲》一样。
  • 还有一个扩展的尾声部分,该部分追求发展而不是结束的过程,这在贝多芬的中段作品(例如他的第三交响曲)中经常发现

在整个浪漫主义时期,形式上的曲解和变奏变得如此普遍,以至于此处概述的“奏鸣曲形式”不足以描述其复杂的音乐结构。通常应用于。

在许多后期的巴洛克式扩展二元形式与奏鸣曲形式具有相似性的背景下,奏鸣曲形式可以通过以下三个特征加以区分:

  • 一个单独的开发部分,包括重新转换
  • xxx个主题组和补品的同时返回
  • 第二主题组的完整概述

奏鸣曲形式和其他音乐形式

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奏鸣曲形式具有二元形式和三元形式的特点。在键关系方面,它非常类似于二进制形式,前半部分从归位键移至主键,而后半部分又移回原位(这就是为什么奏鸣曲形式有时被称为复合二进制形式)的原因;在其他方面,它很像三元形式,分为三个部分,一个特殊字符的xxx个(说明),与之形成对比的第二个(展开),第三个部分(概括)与xxx个相同。

多梅尼科·斯卡拉蒂(Domenico Scarlatti)早期的二元奏鸣曲为从二元奏鸣曲到奏鸣曲-allegro形式的过渡提供了极好的例子。在许多奏鸣曲中,有许多制作成真正奏鸣曲形式的例子。

奏鸣曲形式理论

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奏鸣曲形式可为作曲家提供指导,帮助他们了解作品的示意图,解释人员了解作品的语法和含义以及听众了解音乐事件的意义。许多音乐细节取决于特定音符,和弦或乐句的和声含义。奏鸣曲形式,因为它描述了运动的形状和层次,所以告诉表演者要强调什么,以及如何塑造音乐短语。它的理论始于18世纪对作品示意图的描述,并于19世纪初被编纂。此编纂形式仍在奏鸣曲形式的教学法中使用。

在20世纪,重点从主题和键的研究转移到和谐如何通过作品的过程以及节奏和过渡对于在奏鸣曲中建立“亲近感”和“距离感”的重要性。海因里希·申克(Heinrich Schenker)的著作及其关于“前景”,“中间背景”和“背景”的思想在构图和解释教学中产生了巨大影响。Schenker认为,不可避免的是成功作曲家的关键标志,因此,奏鸣曲形式的作品应表现出不可避免的逻辑

在最简单的示例中,节奏的演奏在整个工作形式中,节奏应该与节奏的重要性有关。停顿,动态变化,保持力等都强调了更重要的节奏。虚假或欺骗性的节奏被赋予了真实节奏的某些特征,然后通过更快地前进就削弱了这种印象。因此,演奏练习的改变带来了对奏鸣曲形式各个方面相对重要性的理解的改变。在古典时代,节和节奏的重要性以及潜在的和声级数逐渐让位于主题上。高度区分的主要部分和次要部分的清晰度让您对按键和模式的理解更加模棱两可。这些变化会改变绩效实践:当各节清晰时,则无需强调发音要点。当它们不太清楚时,在音乐过程中改变速度以赋予音乐“形状”更加重要。

在过去的半个世纪中,检查乐谱、签名、注释和历史记录的批判传统已经改变,有时微妙地改变了奏鸣曲形式的观看方式,有时甚至是微妙的。它导致了作品的编辑方式发生了变化。例如,贝多芬钢琴作品的措辞已经转移到越来越长的短语,而这些短语并不总是与基础形式部分的节奏和其他形式标记保持一致。从近代录音开始就将Schnabel的录音与Barenboim和Pratt的录音进行比较,显示出随着时间的流逝,奏鸣曲形式的结构呈现给听众的方式发生了明显的变化。

对于作曲家而言,奏鸣曲的形式就像戏剧或电影剧本的情节一样,描述关键情节何时出现,以及将其连接成连贯有序的整体所应使用的材料种类。在不同的时候,奏鸣曲的形式被认为是相当僵化的,而在其他时候,自由的解释被认为是允许的。

在奏鸣曲形式理论中,通常断言其他运动与奏鸣曲-变奏曲形式有关,或者查尔斯·罗森(Charles Rosen)认为它们确实是“奏鸣曲形式”,复数形式,或者像爱德华·T·康恩所说,奏鸣曲-allegro是其他运动结构“向往”的理想选择。在其他通常被认为是奏鸣曲的作品中出现的运动形式尤其如此。为此,有时在形式名称之前加上“奏鸣曲”一词,特别是在“奏鸣曲-朗多”形式的情况下。特别是,缓慢的运动被视为类似于奏鸣曲-allegro形式,但措辞不同,对发展的重视程度较低。

但是,Schoenberg和其他以他的观点为出发点的理论家认为,主题和变异在形式音乐的构建中具有潜在作用,称此过程为持续变异,并据此辩称奏鸣曲-allegro形式是一种构造持续变化过程的方法。这所学校的理论家包括Erwin Ratz和William E. Caplin。

有时将作品的小节分析为奏鸣曲形式,尤其是单乐章作品,例如Carl Maria von Weber的F minor中的Konzertstück。

从1950年代开始,汉斯·凯勒(Hans Keller)开发了一种“二维”分析方法,该方法从听众期望的角度明确考虑了形式和结构。在他的作品中,奏鸣曲-奏鸣曲是一个很好的“背景形式”,作曲家可以根据其各种详细功能来构成自己的“前景”。预期的背景与意外的前景之间的“有意义的矛盾”被视为产生了表达内容。在凯勒(Keller)的著作中,该模型被详细应用于Schoenberg的12音符作品以及经典的音调曲目。最近,另外两位音乐学家James Hepokoski和Warren Darcy,没有参考凯勒,就提出了他们的分析,他们将其称为奏鸣曲理论,根据体裁期望对奏鸣曲-allegro形式和奏鸣曲循环进行了分析,并通过成分选择将奏鸣曲-allegro运动和奏鸣曲循环分类。尊重或背离惯例。他们的研究集中于奏鸣曲练习的规范时期,其中最著名的是海顿、莫扎特、贝多芬,舒伯特及其近代人的著作,将这种练习推向了奏鸣曲-allegro形式发展到19世纪和20世纪。


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词条目录
  1. 奏鸣曲形式
  2. 定义“奏鸣曲形式”
  3. 定义为正式模型
  4. 奏鸣曲形式和其他音乐形式
  5. 奏鸣曲形式理论

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