装置艺术

装置艺术是三维作品的艺术流派，通常是针对特定地点的，旨在改变空间感。通常，该术语适用于内部空间，而外部干预通常被称为公共艺术、土地艺术或艺术干预；但是，这些术语之间的界限是重叠的。

装置作品可以是临时的也可以是xxx的。在博物馆和美术馆等展览空间以及公共和私人空间中都已建造了装置艺术品。该类型包含了广泛的日常和自然材料，这些材料通常以其“令人回味”的品质而被选择，以及新的媒体，例如视频、声音、表演、沉浸式虚拟现实和互联网。许多装置是针对特定地点的，因为它们被设计为仅存在于其创建的空间中，从而吸引了三维沉浸式介质中明显的品质。诸如纽约美国自然历史博物馆的展览实验室创造了一种环境，以尽可能逼真的媒介展示自然世界。同样，沃尔特·迪斯尼幻想工程公司在1955年为迪斯尼乐园设计多个沉浸式空间时也采用了类似的哲学。自从被接受为一门独立学科以来，创建了许多专注于装置艺术的机构。其中包括床垫工厂、伦敦的装置博物馆以及密歇根州安阿伯的童话之门。

装置艺术在1970年xxx始盛行，但其根源可以在更早的艺术家中找到，例如马塞尔·杜尚（Marcel Duchamp）以及他对现成和库尔特·史威特（Kurt Schwitters）的梅尔兹（Merz）艺术品的使用，而不是更多基于传统工艺的雕塑。在后来的装置艺术中，艺术家的“意图”至关重要，其根源在于1960年代的概念艺术。这再次与传统雕塑不同，后者将重点放在形式上。早期的非西方装置艺术包括从1954年开始在日本的Gutai集团举办的活动，这些活动影响了美国装置先驱，例如艾伦·卡普罗（Allan Kaprow）。 沃尔夫·福斯特（Wolf Vostell）于1963年在纽约的斯莫林画廊展示了他的装置6 TVDé-coll/ age。

迈克尔·弗里德（Michael Fried）在《艺术与客观性》（Art and Objecthood）中嘲笑地将承认观众为“戏剧”的艺术标为艺术作品（Fried 45）。装置和剧院之间有着很强的相似性：两者都扮演着一个观赏者的角色，他希望观众立即沉浸在他周围的感官/叙事体验中，并保持一定的自我认同感。传统的剧院观众不会忘记他们是从外面进来坐下来并享受创造的体验的。装置艺术的商标一直是好奇和渴望的观众，但仍然意识到他们正在展览中并正在尝试探索装置的新颖宇宙。

艺术家和评论家伊利亚·卡巴科夫（Ilya Kabakov）在他的演讲“关于“全部”装置”中的引言中提到了这一基本现象：“ 同时既是'受害者'又是观众，他一方面进行勘测和评估，另一方面，跟随那些联想，在他身上产生的回忆；他被整个幻觉的强烈气氛所克服。” 在这里，装置艺术赋予了观察者前所未有的重要性。观看者随身进入装置空间的期望和社交习惯将随着他进入而保留，一旦进入新的环境，要么被应用要么被否定。几乎所有安装领域的共同点都在于考虑toto的经验及其可能带来的问题，电视和视频提供了一定程度的身临其境的体验，但是他们对时间流逝的节奏和图像安排的不懈控制无法提供亲密的个人观看体验。最终，观众只能在自己的思想和偏见以及时空的基本规则上得到保证。其他所有可能由艺术家的手塑造。

体验装置艺术时，主观观点的中心重要性指向对传统柏拉图图像理论的漠视。实际上，整个装置都采用了模仿物或有缺陷的雕像的特征：它忽略了任何理想形式，而是优化了对观察者的直接外观。装置艺术完全在感官感知领域内运作，从某种意义上说，将观看者“安装”到人造系统中，并以其主观感知为最终目标。