装饰艺术

装饰艺术是艺术或工艺，其目标是设计是既美观又实用的对象和制造。它包括大多数用于建筑物内部和室内设计的艺术品，但通常不包括建筑。 陶瓷、金属制品、家具、珠宝、时装，各种形式的纺织艺术和玻璃器皿是主要类别。

应用艺术在很大程度上与装饰艺术重叠，现代应用艺术的制作通常被称为设计。装饰艺术通常被归类为“美术”，即绘画，素描，摄影和大型雕塑，它们通常仅出于美学品质和刺激智力的能力而生产物体。

装饰艺术和美术之间的区别本质上源自西方文艺复兴时期后的艺术，在很大程度上，这种区别是有意义的。当考虑其他文化和时代的艺术时，这种区分就没有多大意义了，在这些文化中，最有价值的作品，甚至所有作品都包括装饰性媒体。例如，许多时期和地方的伊斯兰艺术完全由装饰艺术组成，通常采用几何和植物形式，许多传统文化的艺术也是如此。

装饰和艺术之间的区别不是升值是非常有用的中国艺术，也不是它对于了解早期中世纪的艺术在欧洲。在那个时期的欧洲，存在着手稿照明和纪念性雕塑之类的美术，但最负盛名的作品往往是金匠作品，铸金属（例如青铜）或其他技术（如象牙雕刻）。大型壁画很少被考虑，被粗暴地执行，并且在当代文献中很少提及。他们可能被认为是马赛克的劣等替代品虽然在最近的世纪中，马赛克往往被认为是装饰性的，但在此期间必须将其视为精美的艺术品。类似的命运也落在了挂毯上，中世纪晚期和文艺复兴时期的皇室成员将它们视为最宏伟的艺术品，当然也是最昂贵的艺术品。术语“ ars sacra”（“神圣艺术”）有时用于以金属、象牙、纺织品和其他更有价值的材料执行的中世纪基督教艺术，但不适用于该时期的稀世俗物。

在1970年代，诸如艾米·戈尔丁和安妮·斯沃兹（Anne Swartz）等作家和艺术史学家对装饰这一“小艺术”的观点提出了正式挑战。到20世纪末，由于后现代主义的讽刺以及策展人对街头艺术和民族装饰传统的兴趣日益浓厚，对艺术的奇异叙事的争论已经失去了吸引力。1980年代纽约画廊的“图案和装饰运动”虽然短暂，但却为评估艺术品的价值开辟了道路。

先进的视觉艺术媒体相对于其他文化的现代特权，以及不同媒体上作品的生存率差异很大，这往往会扭曲对多种文化艺术的现代理解。金属作品，尤其是贵金属作品，一经流行就容易被“回收”，并且经常被所有者用作财富仓库，在需要额外资金时会被融化。带照明的手稿的成活率更高，尤其是在教堂手中，因为材料的价值很小，而且易于保存。

欧洲美术界对装饰艺术的促进很大程度上可以追溯到文艺复兴时期，当时诸如瓦萨里（Vasari）之类的意大利理论家提倡艺术价值，以高文艺复兴时期的艺术家为代表，但这种材料对材料成本或制作一件作品所需的大量熟练工作，但更重视艺术想象力和像米开朗基罗，拉斐尔或达芬奇这样的天才大师的手的个人触摸，在某种程度上使古代的方法复兴了。中世纪欧洲大多数艺术品该产品是根据一套非常不同的价值生产的，其中昂贵的材料和采用困难技术的专家展示都受到了高度重视。在中国，这两种方法已经并存了多个世纪：水墨和水墨画（主要是风景画）在很大程度上是由学者官僚或“文人”创作的，目的是表达艺术家在上面的想象力。所有这些，而其他主要艺术领域，包括在有效的工业条件下生产的非常重要的中国陶瓷，都是根据一套完全不同的艺术价值生产的。

随着美术和手工艺运动的兴起，与美术相比，装饰艺术作品的地位下降了。这种19世纪下半叶的审美运动是在英格兰诞生的，受威廉莫里斯（William Morris）和约翰罗斯金（John Ruskin）的启发。这项运动代表了人们开始对整个欧洲的装饰艺术有了更高的评价。工艺美术运动对新一代的吸引力使英国建筑师和设计师Arthur H. Mackmurdo于1882年成立了世纪工匠协会，倡导美术与装饰艺术之间没有有意义的区别。来自职业艺术家队伍和整个知识阶层的许多convert依者帮助传播了这一运动的思想。

在大规模生产和消费主义的背景下，某些人在被迫接受生活中大量生产的相同物品时会试图创造或维持其生活方式或建立自己的身份。坎贝尔（Campbell）在他的作品“手工艺品的消费者”中说这是通过选择具有特定意图的商品来改变它们来完成的。与其接受异物，不如将异物合并并更改以适合其生活方式和选择，或进行定制。

实现常见对象自定义外观的一种方法是通过应用装饰技术来改变其外观，例如在剪纸、南亚的艺术车、卡车艺术品和宜家黑客活动中。